La exposición "Las mil y una lenguas del Quijote" se ha prorrogado hasta el 20 de enero de 2013.

El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, obra de Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), es la obra cumbre de nuestra literatura.

Publicado en dos partes, en 1605 y 1615, tuvo un éxito rapidísimo. Se leyó como una novela cómica, parodia regocijante de las novelas de caballería tan en boga en aquel tiempo.

En el siglo XVIII, pasada aquella circunstancia, es ya considera como obra clásica y como modelo de lenguaje. Los españoles se sienten orgullosos de una novela que los críticos extranjeros sitúan entre las máximas creaciones del ingenio humano.

Pero es en el siglo XIX, con el Romanticismo, cuando el Quijote empieza a ser valorado en profundidad. Es en esta época cuando el caballero manchego se convierte en símbolo del hombre que lucha sólo por el triunfo del espíritu sin que le acobarden los obstáculos.

Desde entonces, dados sus complejos mensajes, las interpretaciones del Quijote se han sucedido. Y es que el hidalgo y su escudero encarnan, respectivamente, el impuso ideal y el tosco sentido común que coexisten en el corazón humano.

El Quijote ha sido editado cientos de veces, en ediciones rústicas y lujosas, a veces con ilustraciones bellísimas. Y ha sido traducido a todas las lenguas cultas del mundo.

En esta exposición queremos recoger una muestra de esas ediciones y traducciones, en un año a caballo entre los dos centenarios cervantinos.

Ejemplares expuestos:

Además de tres ejemplares en castellano o español, la exposición muestra ediciones de las traducciones al alemán, árabe, braille, catalán, checo, chino, danés, esperanto, euskera, finés, francés, gallego, griego, guaraní, húngaro, inglés, italiano, japonés, latín, maltés, noruego, polaco, portugués, quichua, rumano, ruso.

Otras piezas expuestas:

Ejemplares con dibujos de Eusebio Zarza y xilografías de Tomás Carlos Capuz (1863), o adornados con acuarelas de Salvador Tusell sobre grabados de Gustavo Doré (1905).

Piezas de loza vidriada de Talavera y Triana, sellos, objetos de cuero repujado, madera o bronce con escenas o representaciones del Quijote completan la exposición.

Agradecimientos:

La exposición ha sido posible gracias a la generosidad de D. Francisco Javier Cerrillo y Martín de Cáceres que ha prestado su colección de traducciones y a la de Dª Manuela de Casas, D. Eusebio Rubio, D. Antonio Carcelén, D. José Cortés y D. Dionisio Navarro, entre otros, que han hecho lo propio con las piezas expuestas.

EXPOSICIÓN TEMPORAL

Del 20 de noviembre al 20 de diciembre de 2012

Prorrogada hasta el 20 de enero de 2013

De martes a domingo de 11:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 18:30 h

La Edad de Oro del Belén napolitano abarca aproximadamente desde 1725 a 1790, recibiendo un impulso definitivo durante el reinado del que fuese Carlos III de España, a la sazón rey de las Dos Sicilias (1734-1759). Como hijo de Felipe V de España y de Isabel de Farnesio y hermano del rey Fernando VI, sucedería a éste como Rey de España (1759-1788).

Bajo su gobierno, Nápoles, tras haber sido durante dos siglos un virreinato español, llegó a ser capital de un reino autónomo y una de las ciudades más brillantes de Europa, una capital rica en empresas culturales y artísticas, entre las que cabe destacar el perfeccionamiento y la difusión del Belén.

Carlos de Borbón, monarca de profunda religiosidad, descubrió el encanto de montar en su palacio su propio pesebre.  Las figuras se empezaron a encargar a la Real Fábrica de Porcelanas de Capodimonte. Y así, personajes de la corte, aristócratas y burgueses se fueron aficionando a coleccionarlas para ser expuestas en sus respectivas mansiones en Navidad, formando el inconfundible belén napolitano.

Las características que definen las figuras del belén napolitano en su época de esplendor eran: Poseer unas dimensiones entre 35 a 45 cm de altura. Cuerpo formado de un esqueleto de alambre forrado de estopa, cabezas de terracota policromada, ojos de cristal y extremidades de madera policromada. Y vestidos con toda clase de telas, en general sedas, salvo en los personajes “rústicos”, para los que se usaban paños y tejidos de hilo, en consonancia con los caracteres de las figuras.

Este vestuario constituye un interesante muestrario de los trajes populares del reino de las Dos Sicilias durante el siglo XVIII, ya que el Belén napolitano, característicamente anacrónico, era una representación  del nacimiento del Mesías según el pueblo de Nápoles y los pastori van vestidos, excepto José, la Virgen y los personajes  procedentes de Oriente, con los trajes tradicionales de cada una de las regiones del reino.

La escenografía del pesebre Napolitano  responde a reglas bien precisas, debe haber un primer plano donde se sitúa la Natividad. Al principio el lugar del nacimiento era una gruta donde se colocaba la sagrada familia, el buey y la mula, acompañados de una corte de ángeles. En un rincón aparecía siempre la figura de un demonio.

Tras el descubrimiento de las ruinas de Pompeya y Herculano se modificó este espacio cambiando la gruta por un templo romano en ruinas, imitando los restos pompeyanos, dando gusto así al fervor despertado por la arqueología además de simbolizar el fin del paganismo con la llegada de Jesús. Generalmente la Natividad se sitúa en el lugar más alto al que se accede por una escalinata interminable, y bajo esta imagen se sitúa una mazmorra con el diablo encadenado representando el triunfo del nacimiento de Cristo sobre el mal. Como no existe ángel sin diablo, en el pesebre se representan igualmente ángeles volando sobre la Sagrada Familia a modo de corte celestial que anuncia el nacimiento del Salvador.

Al otro extremo de la escena se sitúa el núcleo urbano fue siempre la sección más extensa, con más vida y más cercana al espectador. No faltaba nunca la hostería o posada en alusión al pasaje bíblico, cuando la Sagrada Samilia pide cobijo para que María pueda dar a luz. Sin embargo este pasaje se oculta y la posada es un lugar más en la vida de los napolitanos.

En su entorno se colocaba siempre el mercado lleno de agitación, la fuente del pueblo, el pozo y las construcciones urbanas que a veces eran fiel retrato de las calles napolitanas, recreando escenas tradicionales de la vida cotidiana. Se colocaban personajes en los puestos de ventas, en las puertas, balcones y ventanas. Todo este espacio urbano absorbía el mayor número de figuritas. El cortejo de los Reyes Magos era una continuación de este espacio.

En este pesebre, compuesto por D. Raúl Veroz González con piezas de diferentes épocas, podrán descubrir alguna cita urbana de Zafra.

EXPOSICIÓN TEMPORAL: Del 12 de diciembre de 2012 al 6 de enero de 2013

Pepe Cortés es un joven de ochenta y dos años, que tiene a gala su condición de autodidacta, aunque también de haber sido uno de los primeros alumnos del Aula de Zafra de la Universidad de Mayores de Extremadura y de pintura de Carmen Losa e Inma Sánchez en la Universidad Popular de nuestra ciudad.

Es, además, uno de los guías voluntarios más queridos del Museo.

Le caracterizan a Pepe su bonhomía con todos y su paciencia con todo. Esta última cualidad se traduce, desde el punto de vista creativo, en serenidad, perseverancia y minuciosidad. Condiciones sin las que no podríamos concebir las maquetas que hiciese para la Casa del Ajimez (Alcázar, Plaza de Toros o Zafra en el siglo XVII) o para el Museo (cabecera de la iglesia conventual en el siglo XVII) que puede verse en esta muestra.

De su labor como maquetista también pueden contemplarse otras dos obras: La fachada del Hospital de San Miguel o la reinterpretación del "Profil de la ville de Safra en Espagne" de Israël Silvestre.

Como aprendiz de pintor, de aquellas clases en la UPZ, mostramos sus copias de paisajes o naturalezas muertas. Como diletante de la pintura al óleo, sus interiores habitados, los bodegones clásicos o los paisajes de su amada Zafra.

Todo un joven creativo de tan solo ochenta y dos años recién cumplidos.

1. Maqueta de la cabecera de la iglesia conventual de Santa Clara en el siglo XVII. Técnica mixta sobre madera.

2. Perspectiva de Zafra en el siglo XVII. Técnica mixta sobre madera.

3. Fachada del Hospital de Santiago. Témpera sobre terracota

4. Altar mayor de la Colegiata de la Candelaria. Óleo sobre lienzo.

5. Pórtico de Santa Clara. Óleo sobre lienzo.

6. Puente según Monet. Óleo sobre lienzo.

7. Florero según Manet. Óleo sobre lienzo.

8. Rincón impresionista de un pueblo francés. Óleo sobre lienzo.

9. Ibiza desde el mar. Óleo sobre lienzo.

10. Bodegón con almirez. Óleo sobre lienzo.

11. Globo terráqueo y libros. Óleo sobre lienzo.

12. Paquete atado. Óleo sobre lienzo.

13. Interior de una casa. Óleo sobre lienzo.

14. Despacho del siglo XVII. Óleo sobre lienzo.                                                                      

MUSEO SANTA CLARA

Galería alta

Del 3 de agosto al 3 de septiembre